¿Los conoces? - Los 21 productos más importantes en la historia de la tecnología musical

¿Los conoces? – Los 21 productos más importantes en la historia de la tecnología musical

Desde el micrófono hasta el MP3, contamos los mayores avances tecnológicos de todos los tiempos.

 

La historia de la música es la historia de la tecnología de creación musical: están fuertemente vinculadas y lo han sido desde que el primer baterista golpeó un par de rocas en la Edad de Piedra.

Desde los experimentos de Pitágoras con martillos y yunques hasta el piano de Bartolomeo Cristofori, las ideas y tecnologías nuevas e innovadoras siempre han inspirado a los músicos. Muestre a un compositor una nueva herramienta musical y la van a usar.

Instrumentos como el clavecín y el piano fueron revelaciones de alta tecnología en su día, no menos que el milagroso hardware y software que usamos actualmente. La línea entre baja y alta tecnología cambia constantemente y es casi imposible de precisar.

Sin embargo, en aras de la brevedad, se ha decidido arbitrariamente sobre el uso de la electricidad como un medio para definir la tecnología «moderna». Aun así, la siguiente lista está lejos de ser exhaustiva, y seguramente se pensará que se han omitido algo que debería incluirse al alabar algo que parece indigno del honor.

1. Beatslicing software

Es difícil imaginar un momento en el que cortar y cortar ritmos no sea una parte integral del proceso de producción. Sin embargo, antes de que el innovador programa ReCycle de Propellerhead llegara en 1994, combinar los tempos de los loops de samples podría ser una pesadilla e incluso entonces, alterar el tempo de un loop también cambiaría su tono.

La versión original de ReCycle fue un esfuerzo de colaboración entre Props y Steinberg, y permitió a los usuarios de Windows y Mac aprovechar un sofisticado algoritmo de detección de transitorios que podría buscar los transitorios de ataque de un beat y colocar marcadores de corte en consecuencia. Los resultados podrían guardarse como un archivo REX y descargarse en el sample de su elección, donde cada segmento se asignaría a través del teclado. Se podría utilizar un archivo MIDI que lo acompañe para reproducir a diferentes tempos. Todo en glorioso mono.

Era, en ese momento, un logro tecnológico impresionante, y se siguieron variantes de la tecnología, entre las que se encontraba la ReCycle 2 con capacidad estéreo. Eventualmente, la mayoría de las DAW tendrían algún tipo de beatmatching incorporado (muchos archivos REX directamente compatibles), con la propia razón de Propellerhead, incluido el Dr. OctoRex.

2. El amplificador de guitarra

No es rock ‘n’ roll si no es ruidoso, y no es ruidoso sin amplificación. Una vez más, George Beauchamp y Adolph Rickenbacker obtienen el crédito aquí. Su Electric String Company tenía todo tipo de diseños de instrumentos electrificados a su nombre, y todos requerían amplificación.

Alistaron a un compañero llamado Van Nest para diseñar y construir la primera unidad de producción, en los alrededores de su tienda de radio en Los Ángeles. Finalmente, Ralph Robertson fue contratado para ayudar a desarrollar una nueva línea de amplificadores, lanzada en 1941.

Aunque dóciles para los estándares actuales, los amplificadores Rickenbacker hicieron un gran ruido, influyendo en un mercado floreciente. Leo Fender, por su parte, se dio cuenta y, con el ingeniero Don Randall, comenzó a crear el Super Amp en 1949, una unidad capaz de producir un volumen real.

También fue el compañero perfecto para las guitarras eléctricas de cuerpo sólido de Fender, sin mencionar a Les Paul de Gibson, que se lanzaría poco después en 1952.

3. Tape echo

La cinta magnética, por supuesto, aparece en otra parte de la lista. Pero como con cualquier tecnología nueva, hubo quienes vieron en ella algo más que su uso previsto.

Experimentadores con visión de futuro como Karlheinz Stockhausen y Edgard Varèse usaban cinta en un contexto compositivo ya en 1950. Músicos e ingenieros de estudio estaban explorando usos igualmente significativos, que habían comenzado a usar cinta para simular el eco en el estudio.

Sin embargo, el avance se produjo en la forma de la invención de 1953 de Ray Butts, el EchoSonic. Fue la primera unidad de eco de cinta disponible en el mercado, y fue adoptada y utilizada por el guitarrista de Elvis Presley, Scotty Moore, por nombrar solo un influyente talento.

Seguirían otros Tape Echo, entre los que se encontraba el Maestro Echoplex. Por no tanto dinero, el Tape Echo gana su lugar en la lista por su papel en la predicción de las técnicas de producción modernas. Con la llegada del Tape Echo, la música eléctrica comenzó a insinuar la música electrónica, aunque esa era todavía estaba a una década de distancia.

4. The modular digital multitrack recorder

A finales de los años ochenta y principios de los noventa fue un período de transición para la tecnología musical. Las máquinas DAT eran de uso común como mazos de masterización y se mostraban varias opciones para el multipista digital. ¿Cuál se convertiría en el estándar? ¿Serían discos ópticos magnéticos? ¿Discos duros? ¿Cinta digital?

Todos sabemos la respuesta ahora, pero en aquel entonces no estaba tan cortada y seca. Sin embargo, cuando Alesis presentó su grabadora ADAT en 1991, parecía que, por un tiempo, la cinta digital gobernaría el futuro de la grabación.

Otros fabricantes hicieron lo mismo, licenciando la tecnología ADAT (Fostex) o creando su propia versión (Tascam’s DA-88). Los aspirantes a propietarios de estudios los recogieron y los instalaron en dormitorios, garajes y sótanos, creando lo que se llamaría ‘estudios de proyectos’.

5. Physical modelling

 

Este es un poco difícil de colocar en la línea de tiempo. Probablemente el desarrollo más significativo ocurrió en 1983 cuando Alexander Strong y Kevin Karplus idearon su método para simular matemáticamente el comportamiento de una cadena pulsada usando software. Hicieron uso de un exciter alimentado en un delay, que a su vez fue alimentado a través de un filtro. Las señales filtradas, tanto dry como delayed, se realimentaron a través de la delay line, produciendo una simulación de una cuerda vibrante (llamada’resonator’ in modelling-speak).

Sin importar cuán buena sea la idea, modelar matemáticamente el comportamiento de un instrumento acústico o eléctrico requiere una potencia de procesamiento significativa, y los primeros instrumentos de modelado producidos en masa no llegarían a las tiendas hasta 1994, cuando Yamaha lanzó el VL1, un instrumento que ofrecía latón convincente y modelos de láminas por la asombrosa cantidad de £ 3999. Un año después, la Profecía de Korg combinó la modelled analogue synthesis por una cuarta parte del precio.

En ese momento, estos instrumentos eran únicos, y pasarían muchos años antes de que el modelado físico se convirtiera en algo común, gracias al poder de la computadora de escritorio.

6. The 4-track cassette recorder

 

Aunque la década de 1980 a menudo se ve como la era de la tecnología de música digital, una de las innovaciones más importantes de la época fue muy analógica y de muy baja tecnología. Estamos hablando del 4-track cassette ‘Portastudio’.

El primer Portastudio (el modelo 144) fue lanzado por Tascam en 1979, y marcó una revolución en la música independiente, llevando la grabación multipista al estudio casero. Cuatro pistas no eran mucho, pero permitía un poco de sobregrabación y, si tenía cuidado, podría hacer rebotar sus primeras tres pistas a una cuarta sin demasiada degradación sónica, liberando otras tres pistas para más sobregrabaciones.

Pronto, surgió una vasta subcultura de intercambio de casetes, con músicos de todo el mundo enviando cintas de un lado a otro por correo. Algunas bandas ahora famosas (Tall Dwarfs, The Legendary Pink Dots) comenzaron a usar 4-track cassette, y Bruce Springsteen usó una para hacer su álbum Nebraska.

Las máquinas de 4 pistas experimentarían una especie de resurgimiento popular a fines de los años 90 y 2000 en medio (y en parte en reacción a) la revolución de la música por computadora.

7. Hard disk recording

La grabación en el disco duro comenzó a utilizarse desde 1982, cuando New England Digital ofreció la grabación directa en el disco en su elevado sistema Synclavier II. Sin embargo, a pesar de los valientes intentos de los pioneros como Wolfgang Palm y HDU de PPG (1986), la grabación en disco duro ocupó un lugar secundario a las opciones de cinta menos costosas en la década de 1990.

En 1991, sin embargo, se habían hecho los primeros avances importantes. Digidesign había lanzado Pro Tools, un sistema de grabación de disco duro de cuatro voces. Suponiendo que pudiera pagar el hardware patentado de Digidesign, Pro Tools, basado en Mac, ofreció muchas de las funciones que ahora usamos todos los días: grabación, mezcla e incluso edición disponibles. En 1994, el recuento de pistas disponibles había alcanzado 48.

Para entonces, habían aparecido sistemas similares para los usuarios de Windows, la mayoría de los cuales requerían alguna forma de interfaz de hardware patentada. Sin embargo, Steinberg había introducido una versión de Cubase que podía grabar ocho pistas en una computadora Atari Falcon 030 sin ningún hardware dedicado, y la era moderna de la producción musical estaba por comenzar.

8. VSTi

Se pudo haber incluido este en la categoría VST, pero la encarnación del «instrumento» de la tecnología VST de Steinberg merecía su propia mención.

Nos acabábamos de acostumbrar a la idea de los efectos nativos cuando apareció Cubase 3.7 en 1999, con una nueva versión del formato VST y un pequeño plugin inocuo llamado Neon. Los instrumentos virtuales, por supuesto, han existido durante algún tiempo: el innovador ReBirth de Propellerhead, por ejemplo, había estado fuera durante un par de años. Sin embargo, esta era la primera vez que un instrumento virtual se integraba de manera tan elegante en un host de plugins. Incluso si el endeble Neon no era nada del otro mundo, la promesa del formato VSTi era clara.

Steinberg y los desarrolladores externos se apresuraron a cumplir esa promesa. La primera oferta comercial VSTi de Steinberg, el Modelo E, puede haber dejado a los aficionados analógicos rascándose la cabeza, pero pronto salieron del parque con una excelente recreación virtual de la famosa PPG Wave 2.3. Finalmente, nuestras carpetas de complementos estaban repletas de emulaciones gratuitas y comerciales, y originales del tipo que nunca habíamos soñado posible. ¡Y ni un cable a la vista!

9. La tarjeta de sonido

Grabar audio en la computadora de uno es una idea tentadora, especialmente si no se requiere derrochar en hardware propietario para hacerlo. Esta fue la promesa de los DAW nativos ofrecidos por Steinberg, Cakewalk, et al.

Dicho audio es tan bueno como la interfaz de audio utilizada, y eso excluye prácticamente la tarjeta de sonido incorporada de cada computadora.

Afortunadamente, los fabricantes de hardware de computadoras siempre han incluido la expansión, las opciones y los fabricantes de hardware se apresuraron a ver un mercado. Inicialmente, había una distinción obvia entre las interfaces profesionales costosas y las destinadas a los consumidores (generalmente los jugadores). Esa distinción se volvió confusa cuando Creative Technology (AKA Creative Labs) lanzó su Sound Blaster Live! Tarjeta PCI en 1998.

No vamos a pretender que Sound Blaster ofrezca una calidad verdaderamente profesional, pero sí proporcionó una frecuencia de muestreo de 48 kHz y grabación / reproducción dúplex por un precio económico que permitió a muchos músicos probar por primera vez la producción de música por computadora.

Finalmente, las opciones de bajo costo como Audiophile 2496 de M-Audio ofrecieron un sonido aún mejor a un precio que cualquiera podría pagar.

10. The vacuum tube

La tecnología detrás del vacuum tube existió durante muchos años antes de que Thomas Edison patentara el ‘Efecto Edison’. De hecho, el propio Edison en ese momento no entendía completamente la física involucrada, y pasarían otros 20 años antes de que John Ambrose Fleming presentara su »oscillation valve’, esencialmente un rectificador o diodo (lo que significa que cualquier corriente que pase por él sería en un viaje de ida).

Los diodos rectificadores no fueron útiles para la amplificación. Eso vendría en forma de tubo triodo, patentado como Audion por Lee DeForest en 1907. La invención de DeForest permitió que las señales se amplificaran electrónicamente por primera vez, y es ampliamente considerado el comienzo de la era electrónica.

Aunque los tubos eventualmente serían reemplazados por componentes de estado sólido más pequeños, más baratos y más confiables, los micrófonos, amplificadores, filtros y compresores basados ​​en tubos de vacío todavía son muy buscados y utilizados. Muchos músicos e ingenieros insisten en que los equipos basados ​​en tubos suenan mejor que los diseños de estado sólido.

No se puede negar que la invención del tubo vacuum tube cambió irrevocablemente la forma en que hacemos, grabamos y escuchamos música.

11. El mixer

Probablemente conozcas el nombre de Studer, fabricante de algunas de las mejores máquinas de cintas que jamás haya aparecido en un estudio de grabación. Sin embargo, ¿sabía que Studer también estaba detrás de lo que se considera ampliamente como el primer mezclador disponible comercialmente? De hecho, el Studer 69 se completó en 1958, aunque su lanzamiento se detuvo por algunas pruebas bastante rigurosas del Departamento de Inspección de la Autoridad Postal Suiza.

Al igual que los mezcladores que siguieron, el Studer 69 ‘portátil’ era grande, voluminoso y engorroso. Sin embargo, el advenimiento de la grabación multipista lo convirtió en una parte crucial del estudio de grabación. En menos de una década, el mezclador se convertiría en el gigante masivo, cargado de faders y knobs que llegaría a personificar el estudio de grabación en la mente de muchos. Los mezcladores basados ​​en tubos dieron paso a elegantes trabajos de estado sólido a fines de la década de 1960 y, a su vez, serían reemplazados por consolas digitales y, más recientemente, por variantes de software.

Independientemente de la tecnología bajo el capó, el mezclador se ha convertido en una herramienta creativa por derecho propio, con la palabra «remezclar» ahora una parte de nuestro léxico cultural.

12. El sampler

Los sintetizadores analógicos gobernaron la escena de la música electrónica a lo largo de la década de 1970 pero, a medida que esa década terminaba, los músicos buscaban algo nuevo. Es difícil de creer ahora, pero los sintetizadores analógicos eran, en ese momento, vistos como viejos sombreros.

En 1979, una compañía australiana llamada Fairlight nos dio un vistazo a la próxima década cuando lanzó su Fairlight CMI, un sintetizador de sampler digital. Inicialmente como un sintetizador digital llamado Qasar M8, el sampler se dio a conocer cuando los experimentos con algo similar al digital modeling synthesis resultaron demasiado intensos para la potencia de procesamiento disponible. El resultado fue el Fairlight CMI I, el primer sampler digital polifónico comercialmente disponible del mundo.

Decir que el Fairlight y los samplers sucesivos causaron un impacto sería una gran subestimación. No solo el smpler (y la reproducción de muestras) superó a cualquier otra forma de generación de sonido electrónico, sino que eventualmente evolucionaría hacia la grabación muy digital que damos por sentado hoy. Francamente, es difícil imaginar un mundo sin samplers, y no nos gustaría.

13. VST

Hemos visto muchos avances tecnológicos en nuestro tiempo, pero pocos pueden rivalizar con VST cuando se trata de producción de música por computadora.

Es difícil exagerar el impacto que tuvo el lanzamiento de Cubase VST 3.02 en el ’96. Esa iteración específica del DAW de Steinberg incluyó un puñado de plugins de efectos en forma de Chorus, Espacial, Stereo Echo y Auto-Panner. Estos no fueron los primeros plugins de este tipo que se incluyeron con un DAW, pero fueron los primeros en un nuevo formato de plugin que Steinberg denominó Virtual Studio Technology, o VST.

VST difería de otros formatos en que Steinberg hizo que el SDK (Kit de desarrollo de software) fuera gratuito para la solicitud. Esto permitió a otros desarrolladores crear plugins compatibles e incluso incorporar efectos VST en su propio software. Sopló las puertas de par en par. Los plugins VST comenzaron a implementarse en masa, y muchos desarrolladores de software se esforzaron para juntar plugins de forma gratuita o para ponerlos a la venta.

14. Reproductores MP3 portables

Algunos de nosotros somos lo suficientemente mayores como para recordar el breve período de tiempo en que los casetes superaron al vinilo como el formato de entrega elegido por los compradores de música. Claro, algunas fórmulas de cinta permitieron un rendimiento de alta fidelidad, pero la mayoría de las cintas comerciales eran delgadas y ruidosas. Francamente, no tenía ningún sentido, al menos para aquellos de nosotros que habíamos hecho el trabajo de nuestra vida para obtener hasta la última gota de calidad de audio de nuestro equipo.

Sin embargo, no se podía negar que el público en general tenía otras ideas. La portabilidad era más importante que la fidelidad a la mayoría de los oyentes. Muchos de los veteranos teníamos dudas similares sobre el formato MP3 cuando llegó en 1995. Aquí nuevamente había un formato portátil que tuvo al menos un impacto menor en la fidelidad.

Como resultado, la calidad del sonido fue el aspecto menos controvertido del formato MP3. La propia portabilidad que lo hizo tan atractivo también ha amenazado con derrocar a la industria musical establecida. Hasta ahora, la industria ha sobrevivido, pero no ha salido ilesa.

En el proceso, han surgido nuevos métodos de entrega y distribución, especialmente el reproductor de música iTunes e iPod de Apple (2001). Más importante aún, ha permitido que músicos independientes accedan a legiones de oyentes sin tener que depender de sellos discográficos, distribuidores y tiendas minoristas. La producción musical ahora ha sido verdaderamente democratizada, y este pequeño algoritmo de compresión fue en gran parte responsable.

15. Magnetic tape

Antes de la llegada de la grabadora se usaban una variedad de métodos para grabar y reproducir señales de audio. Edison y Bell habían estado produciendo variaciones en los dispositivos de grabación de cilindros de cera desde 1877, y estos cilindros reinaban supremamente antes de ser derribados por las grabaciones de discos de gramófono de Emile Berliner en 1910. Mientras tanto, el inventor danés Vlademar Poulson estaba grabando en un cable magnético.

Todos estos métodos produjeron resultados poco convincentes. Esto cambió en 1928, cuando a un compañero alemán llamado Fritz Pfleumer se le ocurrió la idea de recubrir un poco de cinta de papel con óxido férrico. Esta fórmula innovadora fue refinada y vendida por BASF, con Magnetophon K1 de AEG como la primera máquina de cinta exitosa.

La aplicación de polarización de CA de Walter Weber fue casi tan importante, mejorando dramáticamente la calidad del sonido. Por primera vez, lo que se reprodujo sonó casi idéntico a lo que se grabó. De manera tan convincente, de hecho, que las transmisiones en cinta de los alemanes en la Segunda Guerra Mundial sorprendieron a los Aliados, que no pudieron entender cómo un solo locutor podría transmitir desde varios lugares diferentes al mismo tiempo. La era de la alta fidelidad había comenzado.

16. La guitarra eléctrica

Desde laúdes hasta liras, desde banjos hasta balalaikas, los instrumentos de cuerda han estado con nosotros durante al menos dos milenios: las arpas de Ur fueron descubiertas en 1929 en lo que una vez fue la antigua Mesopotamia y demostraron tener más de 4.500 años.

Sin embargo, el instrumento de cuerda recibió una patada electrizante en el agujero de sonido en 1931, gracias a George Beauchamp, quien pasó gran parte de la década de 1920 ideando formas de electrificar y amplificar guitarras, bajos y violines de acero, por nombrar unos pocos.

Finalmente, cofundó la Corporación Ro-Pat-In con Adolph Rickenbacker y Paul Barth, y más tarde la Corporación Nacional de Instrumentos de Cuerda y Guitarras Rickenbacker. Ro-Pat-In incluyó la guitarra eléctrica de acero y la guitarra eléctrica de Beauchamp en catálogos que datan de 1932, aunque la guitarra eléctrica de cuerpo hueco de Beauchamp no fue patentada hasta 1936.

No necesitamos recordarte el impacto que causó este singular instrumento. Los primeros adoptantes incluyeron a Les Paul y T-Bone Walker, y llegaría a personificar el rock ‘n’ roll, dando a los adolescentes del siglo XX una voz propia y engendrando una gran cantidad de héroes musicales que pertenecían específicamente a su generación.

La guitarra eléctrica fue y es mucho más que un instrumento musical: es un símbolo icónico de la cultura moderna (y juvenil).

17. El sintetizador

A principios de la década de 1960, la música pop se había electrificado. Tanto músicos como oyentes buscaban sonidos novedosos. El productor Joe Meek y sus Tornados usaron la Clavioline para intercalar un poco de electrónica de la era espacial en su éxito Telstar de 1962, mientras que los televidentes se emocionaron con los misteriosos sonidos de radiofonía de la BBC del tema del taller de Doctor Who un año después.

Fue durante este tiempo que los estadounidenses Robert Moog y Donald Buchla reunieron de forma independiente lo que serían los primeros sintetizadores disponibles comercialmente. Buchla completó su instrumento modular en 1963 y comenzó a venderlo en 1966. Sin embargo, el instrumento de Moog causó un gran impacto gracias, en parte, al familiar teclado estilo órgano que podía usarse para tocarlo.

Lanzado en 1964, el sistema modular de Moog fue utilizado por artistas tan diversos como Gershon Kingsley, The Beatles and the Monkees, pero fue el LP Switched On Bach de 1968 de Wendy Carlos lo que hizo que el nombre de Moog fuera sinónimo de la palabra «sintetizador». Siguieron una serie de álbumes de portada electrónicos explotadores y, cuando los electrones se asentaron, Moog había puesto el sintetizador en manos de músicos con el Minimoog. La música nunca sería la misma sin uno de estos.

18. Multitrack tape recorder

Antes de la introducción de la grabadora multipista, los ingenieros de estudio se limitaban a capturar una actuación en vivo tal como sucedió, a menudo grabando múltiples tomas y decidiéndose por la mejor.

Los inconvenientes de este enfoque son obvios. Una grabación de banda brillante podría ser arruinada por una sola actuación defectuosa. Además, la mezcla se escribió en piedra (u óxido férrico, por así decirlo).

Ross Snyder cambió la historia cuando desarrolló la primera grabadora de cinta de 8 pistas en Ampex en 1955, una unidad que se vendió rápidamente al guitarrista Les Paul, quien la usó para grabar varios lanzamientos innovadores. Inicialmente utilizado como un medio para mejorar la voz y otros instrumentos con una nueva técnica llamada ‘overdubbing’, Les Paul y su esposa Mary Ford plantaron las semillas de una forma de arte completamente nueva: el arte de la grabación moderna de estudio.

Gracias a la cinta multipista, el estudio ahora era un parque sonoro. Sin ella, álbumes como The Beatles ‘Sgt. Pepper’s, Lonely Hearts Club Band o Pink Floyd’s The Dark Side of the Moon nunca hubieran sido posibles.

19. El DAW nativo

A mediados de los años 90, ADAT y Pro Tools habían puesto las herramientas para grabar audio digital en estudios profesionales y de proyectos en todo el mundo. Sin embargo, la mayoría de los grabadores hogareños fueron relegados a máquinas multipista de cassette.

A pesar de que el precio de un ADAT era mucho menor que el de una máquina de cinta equipada de manera similar, todavía estaba fuera del alcance de muchos, y ¿Pro Tools? Mucho más allá del presupuesto promedio del músico. Más importante aún, ninguna de esas opciones ofrecía grabación MIDI de ningún tipo.

De hecho, serían los desarrolladores detrás de los paquetes de software de secuenciador MIDI los que crearían la plantilla para la DAW (Digital Audio Workstation) moderna. El Opcode ahora desaparecido, por ejemplo, agregó algunas pistas de grabación y reproducción de audio a su secuenciador Vision en 1990, aunque su uso requirió el hardware de Digidesign. Como se mencionó en la entrada de grabación HD, Steinberg logró incorporar ocho pistas de audio en Cubase Audio para el Atari Falcon 030, junto con detalles como los efectos DSP, todo en 1993. Hace más de 20 años, la plantilla para el DAW moderno estaba en su sitio.

20. MIDI

Antes de 1983, la interconexión entre los instrumentos musicales hechos por un fabricante y los hechos por otro era una propuesta incierta. Algunos sintetizadores podrían, con un poco de trabajo, comunicarse entre sí a través de la magia del control de voltaje y las puertas, pero no todos los fabricantes podrían aceptar un estándar. Un Minimoog tenía un sistema diferente al de una Odyssey ARP, y ninguno usaba la misma escala de voltaje que, por ejemplo, un Korg MS-20. Algo tenía que suceder, y ese algo era MIDI.

Un acrónimo de interfaz digital de instrumentos musicales, MIDI fue diseñado como un protocolo estándar para la transmisión de datos, la interfaz y la conexión de hardware. Cualquier instrumento equipado con MIDI puede comunicarse con cualquier otro a través de un solo cable. Inicialmente, esto significaba poco más que apilar sintetizadores de diferentes fabricantes para un sonido en capas, pero pronto MIDI se usaría para interactuar con las computadoras, controlar mezcladores y efectos e incluso la iluminación del escenario.

Gracias a USB, Thunderbolt y otros estándares de interconectividad de computadoras, la cantidad de cables MIDI reales en el estudio doméstico promedio ha disminuido, pero la tecnología todavía se usa todos los días, unas tres décadas después de su introducción, y MIDI 2.0 ahora es una cosa , también.

21. el micrófono

La gente intentaba amplificar sus voces desde el año 600 antes de Cristo, y las primeras versiones del micrófono moderno aparecieron ya en 1860. Sin embargo, el primer micrófono documentado capaz de transmitir una señal razonable llegó 17 años después.

Desarrollado independientemente por Thomas Edison y Emile Berliner en los Estados Unidos y David Edward Hughes en Inglaterra, el micrófono de carbono es el precursor de los micrófonos que usamos hoy. A Hughes se le ocurrió el término «micrófono» para describir su invención, un dispositivo que utilizaba gránulos de carbono detrás de una placa de metal: el diafragma. Cuando las ondas de sonido golpeaban este diafragma, variaba la presión sobre los gránulos de carbono que, a su vez, afectaba la corriente eléctrica, corriente que podía transmitirse por las líneas telefónicas.

Aunque Hughes había demostrado su invención años antes, Edison recibió la patente, después de una larga batalla legal con el berlinés antes mencionado.

El micrófono de carbono se usaría durante casi un siglo en teléfonos de todo el mundo y dio lugar al desarrollo y refinamiento del micrófono moderno, un instrumento ultrasensible capaz de capturar los más sutiles matices de voz o instrumento.

Fuente: MusicRadar




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